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CUBISMO 05/29/2011

Filed under: Uncategorized — Maylim Bezunartea @ 9:22 PM

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado porPablo PicassoGeorges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

ISMO m. Tendencia innovadora, especialmente en el pensamiento y en el arte

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a losfauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».

Pero creo que la mejor forma de entender el cubismo es por medio de ejemplos.

y su emblematica obra Guernica

 

Abstraccionismo

Filed under: Uncategorized — Maylim Bezunartea @ 8:52 PM

retomo el curso de las Vanguardias con un tema bastante interesante, el abstraccionismo

Abstraccionismo

Surge a partir de 3 de los movimientos de arte mas significativos, Romanticismo, el impresionismo y el expresionismo.

Wassily
KANDINSKY

Intenta una sistematización teórica del proceso creativo en su libro De lo espiritual en el arte(1911). Para él la pintura debe buscar la emoción a través del ritmo de las líneas y de la armonía de los colores. Estos no deben reproducir la realidad sino transmitir algún tipo de sentimiento: calma, el azul; tristeza, el negro; ardor, el rojo.

En 1922 y junto a Paul Klee, colaboró con la Bauhaus, instalándose definitivamente en Francia a partir de 1933.
Su obra se conserva en los principales museos del mundo, especialmente en el Guggenheim de Nueva York.

Piet

MONDRIAN

El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que sólo el proporcionado por los medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos enlo real absoluto el arte no será ya más necesario».

En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (ausencia de colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (color que posee todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.

Aleksandr

RODCHENKO

Alexander Rodchenko nació en San Petesburgo, Rusia en 1891. Se mudó con su familia a Kazán, el este de Rusia. Estudió en la Escuela de Arte de Kazán instruido por Nikolai Feshin y Georgii Medvedev, y en el Instituto Stroganov de Moscú.

Sus primeros dibujos abstractos los realizó en 1915 influenciado por el supramatismo de Malevich. En 1916 participó en “La Tienda”, una exhibición organizada por Vladimir Tatlin, quien fuera otra influencia formativa en el desarrollo artístico de Rodchenko.

Rodchenko es conocido como uno de los artistas más polifacéticos de después de la Revolución Rusa. Fue escultor, pintor, diseñador gráfico. Diseñó carteleras de cine, afiches para el comercio y la industria así como portadas para libros y también muebles.

Es bien conocido su trabajo con Vladimir Mayakovski, ilustrando con sus fotomontajes la obra “Sobre Esto” (Pro éto), donde el poeta canta su amor por Lilia Brik. Cabe destacar la positiva respuesta que tuvo este trabajo de Rodchenko. En sus montajes trató de ofrecer el equivalente visual de los versos de Mayakovski, produciendo una síntesis única entre el montaje fotográfico y la escenificación constructivista.

Kasimir
MALEVICH

post-impresionista, Malevich fue influido sucesivamente por el Fauvismo, por la obra de Léger y por el grupoDer Blaue Reiter, con el que expuso en Munich en 1912.

Encontró su propio lenguaje en el Suprematismo tendencia que consiste en representaciones de formas geométricas (cuadrados, rectángulos, triángulos) que se cruzan, se separan o se superponen dentro del espacio del cuadro. 
Pasó por un periodo negro y posteriormente por otro coloreado, hasta la pura sensación de los monocromos entre 1917 y 1920.

A partir de 1917 se dedica a la actividad didáctica. Su enseñanza tendía a la universalización de la “nueva sensibilidad” en armonía con el gran cambio económico y social que se estaba produciendo y que debía conseguirse a través de una lógica liberada de los viejos puntos de referencia ( las ideas de arriba y abajo, por ejemplo), basada en el empleo de la más moderna tecnología. Esta búsqueda ejerció una gran influencia en la vanguardia artística de los años veinte, especialmente en Mondrian, y en movimientos como el Minimalismo y la pintura monocroma. 

En sus últimos años, influido por la política cultural stalinista, volvió a formas figurativas, más en consonancia con el gusto oficial.

Paul
KLEE

A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de maneras variadas y únicas, y mantuvo con él una relación que progresó con el tiempo. Para un artista que amaba tanto la naturaleza parece algo extraño que en sus comienzos Klee despreciara el color, creyendo que no era sino una decoración.

Con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus. Esta progresión, por sí misma, es de gran importancia porque le permitió escribir sobre el color con una mirada única entre sus contemporáneos.

 

Surrealismo en México

Filed under: Uncategorized — Maylim Bezunartea @ 7:31 PM

El surrealismo llego a America Latina en los años 30’s, pero lo aceptaron mayormente artistas inmigrantes en Latino America o algunos que perseguian sus carreras fuera de latino America y el movimiento fue realmente aceptado entre 1960y 1970 porlos artistas latinoamericanos.

La meta de los artistas Latino Americanos ha sido crear un identidad propia de nuestra cultura, pero es imposible separar el arte de estos artistas y el arte tradicional de Europa, y el Surrealismo es uno de los movimientos que ha infuido la evolución de una identidad artística latino americana.

La historia pre-colombiana de Latino America es el elemento que más ha distinguido el arte latino americano del arte europeo.

Los temas de una nostalgia por una inocencia perdida y el poder ritual del arte del pasado también fueron elementos del surrealismo en los dos continentes.

Para los artisas latino americanos, el Surrealismo representaba un validación de las lenguajes internas de rebelión.

México Surrealista

 

La busqueda de André Breton por la encuentra de “a certain point of the mind at which life and death, the real and the imagined, past and future, the communicable and the uncommunicable, high and low,’ gave Latin America, in particular Mexico, a privileged place within Surrealism. He saw Mexico as a ‘naturally surrealist’ location, embodying the very contradictions essential to Surrealism” (Baddeley 101.) Breton dijo que México fue un país “naturally surrealist” en 1938, durante su visita a este país.

La mezcla de raza y religión, de indigena y exilio, de los oprimidos y los opresores fue percibida para Breton en la cultura visual de México, y de todo Latino America. Esta mezcla representaba la conjunción entre polaridades percibidas de la existencia humana que Breton buscaba.

Carcterísticos mexicanos que influyaban el desarollo del surrealismo mexicano fueron: la vida de la gente, la relación de los hombres con la natura, lo colorido, la fantasía, y un enteramiento continuo de la muerte.

Rufino Tamayo

1899-1991

 

 

Nació en Oaxaca en 1899. Fue hijo de padres zapotecos que murieron cuando tenía ocho años. Su tía lo llevó a la Ciudad de México y vivía con ella, estudiando y ayundandola con su companía de frutas. Cuando tenía 16 años tía lo matriculó en una escuela de contabilidad pero se matriculó Tamayo en la Academia San Carlos de Bellas Artes. Fue estudiante allí en secreto desde 1915 hasta 1918, y dejó la Academia en 1921 porque ne le gustaba la estructura rígida de la escuela. Trabajó en el Departamento del Dibujo Etnografíco de Museo de Antropología, y este experiencia fue muy importante en su desarollo como artista – vine en contacto con los artefactos de su gente. Pasó mucho tiempo fuera de México y vivo en Nueva York y París por algunos años.

Se separó del Muralismo, que fue el movimiento más conocido en México en los 1920s y 1930s. Ganó mucha fama en Norte America pero también epitomizaba, para muchos mexicanos, los característicos vitales de su cultura.

Le interesaba la vida del mexicano indígena y la cultura indígena aperece en muchas de sus obras.

Tamayo fue muy influido por Picasso, especialmente por su obra Guernica (mi favorita). Vió la pintura en1939 en Nueva York y después, durante los 1940s, podemos ver que un interés en los archetipos animal y alegoría se desarolla. Animales (1941) y Leon y Caballo (1942) son dos ejemplos de este cambio.

Rufino Tamayo es un artista de extensa significación para la cultura contemporánea de México. Las aportaciones de su obra no sólo se extienden en el campo del color, sino que también forjó una iconografía novedosa y personal, construida con elementos que vienen de algunas manifestaciones de la originalidad creativa del arte prehispánico de México.

Tamayo también cultivó ciertas formas ingeniosas y espontáneas del arte popular, e incorporó a su pintura determinados rasgos, eclécticamente elegidos, de algunas de las vanguardias internacionales de principios del siglo XX que le fueron empáticas. Logró, con esos elementos y un prodigioso talento, una poética única e inédita que satura uno de los cuerpos pictóricos más cautivadores de la historia del arte moderno de México.

El arte de Tamayo manifiesta, a través de símbolos, metáforas e imágenes poéticas, sus reflexiones sobre tópicos universales como lo absoluto, lo relativo y lo sublime, expresado en la dualidad de la naturaleza más plena del género humano.

Frida Kahlo

Fue una tristeza enorme para mi y me senti un tanto ofendida al enterarme que algunas de las alumnas de mi escuela de 5to semestre no saben quien es Frida Kahlo, a lo mejor no les tiene que gustar (a mi me encanta) pero minimo saber quien fue, es cultura general, y me parece imposible que alguien no conosca sus obras, es una artista famosisima y de las mas reconocidas a nivel mundial. Que ofensa !!

Para todos aquellos que no saben, aqui les dejo una probadita …

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón fue una célebre pintora nacida el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México.

Frida Kahlo

Frida Kahlo, se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió  sus ideales, creó una pintura surrealista, absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

Nació en Coyoacán, Distrito Federal, el 6 de julio de 1907; fue hija del destacado fotógrafo Guillermo Kahlo Kauffman y doña Matilde Calderón, una familia chapada a la antigua, extremadamente conservadora.

A los seis años sufre un ataque de poliomielitis que afecta una de sus piernas, por lo cual tiene que enfrentar la burla de la gente. En 1922, Frida ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria con la intención de encausar sus estudios hacia la Medicina.

En 1925, a los 18 años, tiene un terrible accidente cuando el autobús en que viajaba es arrollado por un tren, partiéndole el cuerpo y la vida en dos.

Mientras pasa por una larga convalecencia aprende a pintardicho acontecimiento influye con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras y cuyas consecuencias padeció el resto de su vida.

En 1929, Frida contrae matrimonio con el muralista Diego Rivera. Tuvo un aborto en 1932 que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. Además son muy apreciados sus autorretratos, también de compleja interpretación: Autorretrato con mono y Las dos Fridas.

El matrimonio con Diego fue muy apasionado, alocado, abierto y extraño, pues ambos se permitían tener relaciones extramaritales.

A pesar de las infidelidades, refiriéndose a su marido, Frida decía: “Ser la mujer de Diego es la cosa más maravillosa del mundo. Yo le dejo jugar al matrimonio con otras mujeres. Diego no es el marido de nadie y nunca lo será, pero es un gran compañero”.

Por otro lado también expresaba: “He sufrido dos grandes accidentes en mi vida: uno fue en autobús, y el otro fue Diego”. Este tipo de contradicciones son una muestra del tipo de relación turbulenta que tenía la pareja.

En 1940 la pareja se divorcia, pero se vuelve a casar después de un año y esta vez la relación perdura hasta la muerte de Frida, en 1954.

Aunque ella no estaba de acuerdo, a Frida a menudo se le identifica con la pintura surrealista. Con la ayuda de los pintores: André Bretón, y Marcel Duchamps, pudo exponer algunos de sus cuadros en Los Estados Unidos y Europa.

En 1943 fue nombrada profesora de pintura en La Esmeralda, La Escuela de Bellas Artes del Ministerio de Educación.

Como ya se dijo, a Frida no le gustaba que se le relacionara con el surrealismo, ella supo del movimiento en sus multiples viajes a Europa pero jamas se sintio identificada con la forma de ver las cosas de los surrealistas, fue amiga de Duchamp y Bretón.

 

VANGUARDIAS

Filed under: Uncategorized — Maylim Bezunartea @ 6:32 PM

El Surrealismo

 

Es un movimiento amplio, que inspira una nueva sensibilidad. Sus fines son provocar la expresión libre de aquello que considera lo más interno en el hombre; su inconsciente y su imaginación

.

André Breton firma el primer manifiesto surrealista en 1924 y a través de su lectura se encuentran las bases de este movimiento: Creo en el encuentro futuro de estos dos estados, en apariencia contradictorios, como son el sueño y la realidad en una especie de realidad absoluta, de surrealidad. El surrealismo expresa el funcionamiento real del pensamiento, sin control de la razón, libremente frente a preocupaciones estéticas o morales. Existe un punto en el espíritu a partir del cual la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, lo pasado y lo futura, dejan de percibirse contradictoriamente.


Los recursos comunes para plasmar estos contenidos teóricos en las artes figurativas son introducir máquinas fantásticas, aislar fragmentos anatómicos, la animacion de lo inanimado, las metamorfosis, las perspectivas vacías, las creaciones evocadoras del caos, la confrontación de objetos incongruentes, las temáticas eróticas como referencia a la importancia que el psicoanálisis otorga al sexo, aunque cada artista imprime su propio sello.

SALVADOR

DALÍ

 

caracterizado por plasmar en cuadros y otros objetos imágenes aparentemente reales pero extrañamente relacionadas y dando lugar a escenas oníricas, es decir, como si reflejásemos en un lienzo las visiones de nuestros sueños. Aunque Dalí no fue el único surrealista (e incluso fue expulsado del movimiento ) sí que es el representante más popular de esta tendencia artística. Sus obras nos sorprenden por unas asociaciones de objetos que nunca encontraríamos en el mundo real, pero que, en nuestros sueños pueden darse con total naturalidad. Dalí fue un gran maestro del dibujo y del detalle en la representación.

 

VANGUARDIAS

Filed under: Uncategorized — Maylim Bezunartea @ 6:23 PM

El dadaísmo


Este nuevo movimiento nace cuando en Europa se ha iniciado la guerra de 1914, a la vez se desarrolla el cubismo y el surrealismo. Zurich, Nueva York y Berlín son los centros de los dadaístas. La palabra “Dadá” es una voz buscada en el diccionario al azar y que no pretende significar nada. Algunos intereses comunes identifican a todo este gran grupo dadá: expresar el estado de ánimo negativo a través de la destrucción, frente a la hecatombe bélica. El manifiesto de 1918 dice: el arte es una idiotez… todo lo que se ve es falso. Además se sienten desencantados, personalmente, ante lo absurdo de la política y adoptan un aire anárquico, tomando el lema de Bakunin como bandera en el campo artístico: la destrucción también es creación.

La forma que adoptan es la provocación, el escándalo, la destrucción como manifiesto de ruptura y negación del arte. El dadaísmo critica al arte y a la cultura burguesa, niega la racionalidad habitual y extiende la crítica al capitalismo y al fascismo. Partiendo de estos pensamientos, dadá es una de las vanguardias más radicales que imponen una auténtica mutación en el arte contemporáneo. Se abandonan las preocupaciones estéticas tradicionales, y el espíritu de ruptura a través del escándalo, provocando una gran libertad creadora que da sus frutos en collages, fotomontages y pinto-esculturas, técnicas que se mantendrán de moda en la década de 1960-1970.

Los artistas más importantes de esta vanguardia son Duchamp, Arp, Picabia y Grosz.


 

VANGUARDIAS

Filed under: Uncategorized — Maylim Bezunartea @ 6:19 PM

El Expresionismo

 

Con este término se denomina una pintura en la que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad. Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga dramática, pesimista y crítica. Este término engloba obras y autores de un amplio período, aunque el país donde esta vanguardia alcanza mayor intensidad es en Alemania. Sus rasgos generales se acentúan en períodos de crisis.

El valor fundamental es la libertad individual de expresión, pero con unos nexos comunes: El artista expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta. 

En Alemania, las ciudades de Dresde, Munich y Berlín son los centros culturales y de contactos artísticos, junto con París, donde surgen agrupaciones de artistas que perfilan el expresionismo.

 

VANGUARDIAS

Filed under: Uncategorized — Maylim Bezunartea @ 6:12 PM

Fauvismo

El fauvismo puede considerarse como uno de los primeros movimientos de vanguardia del siglo, aunque la cohesión y el propósito común del grupo de pintores que la forma es efímera: 1905-1910. 

Caracteristicas:

• Libertad en el color hasta llegar a la exaltación o la violencia, sin mezclas o matices. El color se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de este respecto de la naturaleza, cuyos resultados son rostros verdes, árboles azules, mares rojos,…
• Extrema simplificación de formas y elementos: los objetos y contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, bastas y se rellenan con manchas de color planas.
• Interpretación lírica y emocional de la realidad con temas agradables paisajes o retratos.
• La profundidad desaparece y los volúmenes se perfilan con pinceladas fuertes y no con el claroscuro. La ruptura con la perspectiva tradicional es un hecho consumado.
• Es figurativo pero bastante antinatural.
Los pintores más importantes son: Matisse (Mujer con sombrero)y Derain.